In occasione dell’Epifania, a San Sebastiano Po, il Maestro Pasticcere torinese Fabrizio Galla, "Tre Torte" nella Guida Pasticceri & Pasticcerie di Gambero Rosso, insieme alla moglie Federica Russo, capo laboratorio, presenta la Focaccia della Befana: un dolce della tradizione popolare reinterpretato attraverso il rigore tecnico e la cultura della grande pasticceria artigianale.

La Focaccia della Befana nasce dallo stesso impasto del panettone, lavorato con lievito madre e sottoposto a 72 ore di lavorazione, nel rispetto dei tempi naturali della lievitazione. Un processo complesso che restituisce una struttura estremamente soffice, leggera e aromatica. L’impasto è arricchito esclusivamente da arancia candita, scelta per la sua freschezza e per il legame con la stagionalità invernale.

All’interno del dolce viene inserita una fava secca prima della cottura, elemento simbolico che rimanda a una tradizione antica, condivisa da diverse culture europee. Secondo la credenza popolare, chi la trova sarà fortunato per tutto l’anno; altre interpretazioni affidano invece al “prescelto” il compito di offrire da bere o organizzare il prossimo momento conviviale. La superficie è completata da una glassa alle mandorle e granella di zucchero, che aggiungono struttura e contrasto, mantenendo un equilibrio misurato tra dolcezza e aromaticità.

La Focaccia della Befana si inserisce nel solco delle preparazioni rituali che segnano la chiusura delle festività natalizie, come gesto augurale e conviviale, affidato a una lavorazione di altissimo livello. Disponibile in edizione limitata presso il punto vendita di San Sebastiano Po.

Per il Capodanno, Acadèmia.tv propone un menu completo che mette in dialogo cucina d’autore e intelligenza artificiale. Il progetto nasce da ChefCPT, assistente AI sviluppato dalla piattaforma e addestrato sui contenuti di oltre duecento maestri di cucina, pensato per supportare sia la costruzione dei menu sia gli aspetti tecnici delle preparazioni.

Il percorso si articola in quattro portate che ripropongono piatti della cucina contemporanea, affidandone l’ispirazione a chef italiani noti al grande pubblico. L’antipasto apre con gamberi scottati serviti su uno zabaione salato alla ’nduja, ispirato alle tecniche di Cristian Spagnoli. I gamberi vengono rosolati rapidamente, mentre lo zabaione è preparato montando i tuorli a bagnomaria e incorporando la ’nduja; il piatto è completato da cime di broccoletti sbollentate e ripassate in padella. Un avvio deciso, costruito sull’equilibrio tra dolcezza, grassezza e una nota piccante.

Il primo è una lasagnetta croccante con porcini, pancetta arrotolata, squacquerone e pesto di cavolfiore, ispirata alla cucina di Igles Corelli. I dischi di sfoglia vengono sbollentati e dorati al grill, farciti con squacquerone, porcini rosolati e pancetta croccante, quindi passati brevemente in forno. Il cavolfiore è lavorato in doppia consistenza, in crema e in pesto, a dare profondità e continuità al piatto.

Segue un secondo più legato alla tradizione, ma riletto in chiave conviviale: arancini ripieni di ossobuco, ispirati alla cucina di Cesare Battisti. Il ripieno nasce da uno stufato di vitello cotto lentamente, racchiuso in un risotto allo zafferano mantenuto compatto; gli arancini vengono poi panati e fritti al momento. Una proposta pensata per una tavola delle feste informale ma strutturata.

Il dessert chiude con un classico rivisitato: panettone tostato e caramellato in stile crème brûlée, accompagnato da zabaione al moscato e gelato alla vaniglia, ispirato al lavoiro di Vincenzo Santoro. Il panettone viene dorato in padella e caramellato, lo zabaione montato a bagnomaria, per un finale giocato sul contrasto tra caldo e freddo.

A completare il menu, indicazioni pratiche su tempistiche e abbinamenti, con un’impostazione pensata per l’organizzazione domestica: molte preparazioni possono essere anticipate, lasciando al momento del servizio solo rifiniture e cotture finali.

Il progetto si inserisce nel più ampio ecosistema formativo di Acadèmia.tv, che sperimenta qui il potenziale dell’applicazione dell’intelligenza artificiale alla cucina di casa.

Le ricette:

ANTIPASTO
Gamberi con zabaione salato alla ’nduja e cime di broccoletti
Ispirazione: Cristian Spagnoli

Ingredienti (4 persone)
12 gamberi grandi
200 g cime di broccoletti
olio extravergine di oliva, sale

Per lo zabaione salato
4 tuorli
45 g ’nduja
20 g acqua

Procedimento
Sbollentare le cime di broccoletti in acqua salata per un minuto, raffreddarle e saltarle brevemente in padella con olio e sale. Montare i tuorli a bagnomaria con un pizzico di sale e l’acqua fino a ottenere una consistenza cremosa, quindi incorporare la ’nduja. Tenere tiepido. Pulire i gamberi e scottarli velocemente in padella con un filo d’olio. Servire lo zabaione sul piatto, adagiare gamberi e broccoletti.

PRIMO
Lasagnetta croccante con porcini, pancetta arrotolata, squacquerone e pesto di cavolfiore
Ispirazione: Igles Corelli

Ingredienti (4 persone)
12 dischi di sfoglia all’uovo
250 g squacquerone
2 porcini
8 fette di pancetta arrotolata
1 cavolfiore
pinoli, scorza di limone
olio extravergine di oliva, sale, pepe

Procedimento
Sbollentare brevemente i dischi di sfoglia, asciugarli e passarli al grill fino a renderli croccanti. Cuocere le cime di cavolfiore e frullarle con olio, pinoli, scorza di limone e sale per ottenere il pesto; con il gambo preparare una crema più liscia. Rosolare i porcini a fette con olio e aglio, grigliare la pancetta. Farcire i dischi con squacquerone, porcini, pancetta e pesto. Scaldare in forno e servire sulla crema di cavolfiore.

SECONDO
Arancini ripieni di ossobuco
Ispirazione: Cesare Battisti

Ingredienti (4 persone, circa 8 arancini)
280 g riso Carnaroli
300 g ossobuco di vitello a dadini
zafferano
brodo
burro, Parmigiano Reggiano
sedano, carota, cipolla
uova, farina, pangrattato
olio per frittura

Procedimento
Preparare uno stufato con ossobuco, soffritto e brodo, cuocendo lentamente fino a ottenere una carne morbida. A parte cuocere un risotto allo zafferano mantenendolo asciutto e compatto. Raffreddare entrambi. Formare gli arancini inserendo il ripieno di ossobuco, passarli in farina, uovo e pangrattato. Friggere in olio caldo fino a doratura e servire.

DESSERT
Panbrulè con zabaione al moscato e gelato alla vaniglia
Ispirazione: Vincenzo Santoro

Ingredienti (4 persone)
4 fette di panettone
80 g zucchero semolato
4 tuorli
20 g zucchero
30 ml Moscato
gelato alla vaniglia

Procedimento
Tostare le fette di panettone in padella, cospargerle di zucchero e caramellare con cannello o grill. Preparare lo zabaione montando a bagnomaria tuorli, zucchero e Moscato fino a ottenere una crema densa. Servire il panettone caldo con zabaione e una pallina di gelato alla vaniglia.

Un racconto espositivo che celebra la couture di Armani come esperienza estetica e sensoriale

Milano, capitale dell’eleganza contemporanea, ospita negli spazi di Armani/Silos la mostra “Giorgio Armani Privé 2005-2025. Vent’anni di Alta Moda”, un’esposizione monumentale, curata personalmente da Giorgio Armani, che ripercorre due decenni di Haute Couture attraverso un racconto immersivo, coerente e profondamente sensoriale. Dopo vent’anni di sfilate parigine, le creazioni Giorgio Armani Privé arrivano a Milano e trovano spazio all’interno di Armani/Silos, offrendo al pubblico la possibilità di osservarle da vicino, fuori dal contesto della passerella, nella loro dimensione più concreta e artigianale. Un’occasione rara per avvicinarsi a un universo solitamente riservato a pochi, in cui l’abito si rivela nella sua costruzione, nei materiali e nella precisione del gesto sartoriale.

Privé, una nuova idea di Haute Couture

Presentata per la prima volta nel 2005 a Parigi, capitale della Haute Couture, la collezione Giorgio Armani Privé nasce come espressione di una moderna creatività; una linea complementare e alternativa al prêt-à-porter, accomunata dalla ricerca di una sigla stilistica lineare ed elegante. L’Haute Couture, letteralmente “alta sartoria”, incarna il vertice dell’eccellenza artigianale: creazioni uniche, realizzate su misura con materiali preziosi e lavorazioni interamente manuali, destinate a una clientela esclusiva e sottoposte alle rigorose regole della tradizione parigina. Ogni capo è il risultato di centinaia di ore di lavoro, tra ricami minuziosi, applicazioni complesse e tessuti di lusso. In questo contesto, Armani sperimenta senza mai perdere il controllo della forma, ampliando l’orizzonte creativo e declinando la propria idea di eleganza in una dimensione più libera e visionaria. Linee pure, volumi calibrati e materiali nobili definiscono un’estetica riconoscibile e senza tempo, in cui rigore e poesia visiva convivono in perfetto equilibrio. Ricami gioiello, perline, paillettes, pietre preziose, tessuti cangianti e organze impalpabili danno vita a capi che evocano atmosfere lontane, suggestioni orientali e il fascino magnetico delle notti hollywoodiane.

Materia, luce e movimento

Il percorso espositivo si dispiega lungo l’intera superficie di Armani/Silos come un’antologia visiva delle collezioni couture della maison. Gli abiti, selezionati dallo stesso Armani, sono disposti in una sequenza che evidenzia un linguaggio in continua evoluzione, ma sempre fedele ai principi fondativi del brand. La luce assume un ruolo centrale nella narrazione: una luminosità perlacea e quasi lunare avvolge le creazioni, accarezza le superfici, enfatizza i dettagli rendendo la materia protagonista assoluta. Manichini neri, essenziali e neutri, si fanno presenze quasi invisibili, capaci di scomparire per lasciar emergere colori, texture e volumi, fulcro visivo dell’allestimento.
Accanto agli abiti emergono accessori concepiti come vere e proprie sculture: borse gioiello, orecchini simili a minuscole costellazioni e copricapi di raffinata complessità, che ampliano e arricchiscono il racconto couture. Alcuni capi sono collocati su pedane girevoli, che ne consentono una visione a 360 gradi, permettendo di apprezzarne pienamente la tridimensionalità, la fluidità dei tessuti e il dialogo costante con la luce, restituendo così una percezione dinamica, prossima a quella della passerella. Altri sono inseriti in scenografie più intime, piccoli teatri silenziosi che mettono in evidenza la straordinaria maestria degli atelier Armani.

Un’esperienza sensoriale completa

L’esperienza è amplificata da una cura attenta dei dettagli sensoriali. Lo spazio è avvolto dalla fragranza Bois d’Encens, emblema della collezione ARMANI/PRIVÉ Haute Couture Fragrances, mentre una colonna sonora originale firmata da L’Antidote accompagna il visitatore lungo l’intero percorso, rafforzando l’atmosfera sospesa e contemplativa della mostra. Nelle collezioni di Alta Moda, Giorgio Armani esprime la sua visione più libera dello stile e dell’eleganza attraverso l’arte dell’artigianalità e del savoir-faire, un territorio creativo senza limiti in cui grazia e rigore, fantasia e concretezza convivono in equilibrio. “Giorgio Armani Privé 2005-2025. Vent’anni di Alta Moda” è un’occasione preziosa per esplorare da vicino uno dei capitoli più raffinati della moda contemporanea e per comprendere come l’Alta Moda non appartenga a un’epoca, ma a una dimensione culturale ed estetica senza tempo.

Informazioni utili

Mostra: Giorgio Armani Privé 2005-2025. Vent’anni di Alta Moda
Location: Armani/Silos, Milano
Date: Dal 21 maggio 2025 al 3 maggio 2026
Per maggiori informazioni visitare il sito: www.armanisilos.com

Crediti fotografici: Delfino Sisto Legnani

Articolo a cura di Anna Olivo

Il Capodanno è un rito, prima ancora che una festa. Un tempo sospeso in cui si brinda non solo a ciò che verrà, ma anche a ciò che l’anno che si conclude ha portato.

È da questa idea di attesa, profondità e precisione che nasce la visione di Metodo Classico di Feudi Spada: un progetto che guarda all’Umbria d’altura, severa e luminosa, e la traduce in due bollicine in edizione limitata pensate per la notte di San Silvestro.

Fondata nel 2010 da Alessandro Leoni e Maurizio Fea a Viceno, una frazione di Castel Viscardo, in provincia di Terni e a due passi da Orvieto, Feudi Spada da 15 anni è interprete di un territorio vitivinicolo straordinario, che si snoda su 38 ettari, di cui 11 vitati, e annovera le vigne più alte dell’Umbria, con appezzamenti che arrivano fino ai 580 metri di altitudine.

Alla regia c’è Leoni, enologo e produttore, che firma un lavoro di sottrazione e carattere, in cui ogni scelta – dalla vigna al dosaggio – risponde a un’idea chiara di identità.

Protagoniste sono le uve di Sangiovese e di Riesling Renano, che provengono dai vigneti di proprietà dell’azienda, situati a quasi 500 metri sul livello del mare: altitudini che regalano tensione, verticalità e una naturale vocazione alla spumantizzazione. Qui il Metodo Classico non diventa il racconto di un territorio attraverso il tempo, la materia e la pazienza. Due interpretazioni diverse, complementari, pensate per accompagnare la tavola delle feste e i brindisi dall’aperitivo alla mezzanotte.

Nel racconto di Capodanno firmato da Feudi Spada, il dialogo tra le referenze di Metodo Classico è infatti continuo e naturale. Il NOVINTAGE Rosé e il NOVINTAGE Brut nascono dallo stesso sguardo, ma parlano due lingue diverse, complementari, entrambe profondamente legate alla tavola e al tempo delle feste.

Il Rosé Extra Brut, a base Sangiovese, è quello che entra in scena con più materia e immediatezza. Matura sui lieviti per oltre quindici mesi, con un dosaggio calibrato che lascia spazio alla struttura del vitigno. Nel calice è intenso, con note di piccoli frutti rossi – amarena, ciliegia, mora – e una bocca che regge senza esitazioni piatti ricchi e rituali. È la bollicina che accompagna l’inizio della serata, dagli antipasti ai primi importanti del veglione: salumi, paste fatte in casa, strangozzi con porcini e funghi locali. Un rosé che non chiede leggerezza forzata, ma invita alla convivialità.

Il Brut, invece, gioca su un registro più verticale. Riesling Renano in purezza, proveniente da un vigneto ricco di sabbie e sassi alluvionali, è un Metodo Classico preciso e pulito. La vinificazione alterna acciaio e barrique a bassa temperatura, il tiraggio preserva il carattere floreale e il perlage resta fine, composto. Con un dosaggio minimo e un affinamento di trenta mesi sui lieviti, questa bollicina trova la sua forza nell’equilibrio e nella capacità di sostenere piatti complessi: tagliatelle al tartufo nero umbro, cotechino con lenticchie, quei secondi della tradizione che segnano il passaggio all’anno nuovo.

Insieme, NOVINTAGE Rosé e NOVINTAGE Brut raccontano una stessa storia: il Metodo Classico come racconto del territorio, delle sue altitudini e della sua cucina. Due bollicine pensate per accompagnare San Silvestro dall’inizio alla fine, senza effetti speciali, ma con coerenza, quella che da sempre accompagne Feudi Spada.

Dal cinema dimenticato al cuore pulsante della scena culturale milanese, il Teatro Carcano torna a raccontarsi attraverso la voce di chi ne ha vissuto la rinascita dall’interno. In I Miracoli succedono anche a Milano, edito da Europa Edizioni, Luigi Stippelli ripercorre la propria storia personale, profondamente intrecciata a quella del teatro, offrendo una testimonianza diretta di una stagione cruciale per la cultura cittadina: gli anni Ottanta, quando Milano sperimentava nuove forme di partecipazione culturale e ripensava il ruolo dei suoi luoghi simbolo.

Fondato nel 1803, il Teatro Carcano ha attraversato più di due secoli di storia alternando fasi di grande centralità a momenti di progressivo declino. Nell’Ottocento era conosciuto come “il teatro dei poveri”, alternativa popolare alla Scala, e frequentato da un pubblico ampio e trasversale. Sul suo palco si sono esibiti artisti come Niccolò Paganini e sono andate in scena prime assolute di Donizetti e Bellini. Con il Novecento, però, il suo ruolo si è affievolito fino alla trasformazione in cinema, segnando una distanza sempre maggiore dalla vita teatrale della città.

È in questo contesto che, all’inizio degli anni ’80, al professor Stippelli e ad altri soci viene proposto di restituire al Carcano la sua funzione originaria. La risposta, ricordata nel libro con semplicità, è immediata: «Certo che sì». Da quella decisione prende avvio una sfida che non riguarda soltanto la ristrutturazione di uno spazio, bensì la definizione di un nuovo progetto culturale. Riportare il teatro al centro della vita cittadina, ripensandone il pubblico, il linguaggio, il rapporto con il territorio.

Il Carcano rinasce così come luogo aperto, accessibile, capace di dialogare con generazioni diverse. In questo processo, il contributo di Stippelli si concentra in particolare sul legame tra teatro e scuola. Insegnante e promotore culturale, costruisce un ponte stabile tra il mondo dell’istruzione e quello della scena, dando vita a un’esperienza che segnerà centinaia di studenti: “la scuola va a teatro”. Un progetto che non si limita alla fruizione degli spettacoli, ma introduce il teatro come strumento educativo, spazio di confronto e di crescita civile.

Nel racconto autobiografico, il Teatro Carcano diventa il centro di una narrazione più ampia. Stippelli intreccia la storia del teatro con la propria, dal viaggio dal Sud a Milano alle difficoltà dei primi anni, fino alla costruzione di una rete di relazioni fondate sulla fiducia, sulla collaborazione e su un’idea condivisa di cultura come bene comune. Milano emerge come una città capace di trasformare chi la attraversa e, allo stesso tempo, di essere trasformata da chi decide di investire tempo, energie e visione nei suoi luoghi.

Disponibile in libreria e nei principali store online, I Miracoli succedono anche a Milano si colloca a metà strada tra memoir e documento storico. Non indulge nella nostalgia, ma restituisce con lucidità il clima di un’epoca in cui il rilancio culturale passava anche da scelte coraggiose e da un forte senso di responsabilità civile. Il teatro, in questa prospettiva, non è solo uno spazio fisico, ma un organismo vivo, capace di incidere sul destino delle persone che lo vivono.

Oggi come allora, il Teatro Carcano resta la prova concreta di quella visione. Un luogo che, tornando a vivere, ha saputo cambiare il corso di molte storie individuali e contribuire al panorama culturale milanese.

Dai classici hollywoodiani alle rom-com moderne, i costumi che trasformano storie ed emozioni in immagini indimenticabili

Città innevate, incontri inattesi, amori che ritornano e finali colmi di speranza: il cinema natalizio, ieri come oggi, accompagna le feste come una tradizione silenziosa ma imprescindibile. Negli ultimi giorni dell’anno, seduti sul divano con una bevanda calda tra le mani, ci lasciamo avvolgere da storie capaci di rassicurarci e regalarci attimi di pura magia.
Che si tratti di grandi classici hollywoodiani o di commedie romantiche contemporanee, il Natale sul grande schermo è prima di tutto un’esperienza visiva. Luci calde, scenografie accoglienti e costumi curati nei minimi dettagli costruiscono un immaginario riconoscibile e senza tempo, capace di evocare meraviglia, intimità e nostalgia. Gli abiti, dai cappotti sartoriali degli anni Quaranta ai maglioni oversize delle rom-com moderne, non sono mai semplici ornamenti, ma suggeriscono atmosfere, raccontano emozioni e delineano le trasformazioni interiori dei personaggi.
Rivedere questi film durante le vacanze significa non solo lasciarsi trasportare dalle storie, ma osservare come stile, colore e tessuto sappiano emozionare e creare memoria visiva. Un vero e proprio archivio estetico che continua a influenzare moda, costume e storytelling.

Incontriamoci a Saint Louis
(Meet Me in St. Louis, 1944)

Ambientato a St. Louis all’inizio del Novecento, il film segue la famiglia Smith tra piccole gioie quotidiane e grandi rituali natalizi. I costumi composti da gonne ampie ma funzionali, bluse strutturate, corsetti morbidi, velluti scuri e cappotti avvolgenti raccontano un’eleganza quotidiana fatta di gesti, abitudini e intimità.

Judy Garland in una scena di Incontriamoci a Saint Louis

Nel celebre numero Have Yourself a Merry Little Christmas, Judy Garland indossa un abito in velluto rosso intenso con corpetto sagomato, scollo a cuore e maniche a sbuffo. Raffinato e teatrale, il vestito cattura la luce a ogni movimento, trasformandosi nel fulcro emotivo della scena e in una delle immagini più iconiche del Natale cinematografico.

Dove guardarlo: Amazon Prime Video, CHILI (noleggio o acquisto digitale)

Il miracolo della 34ª strada
(Miracle on 34th Street, 1947 / 1994)

Il miracolo della 34a strada, 1947

La storia di Kris Kringle, l’uomo che sostiene di essere Babbo Natale, mescola quotidiano e magia in una New York vibrante. Dai corridoi dei grandi magazzini alle strade di Manhattan, fino agli interni borghesi, ogni ambiente dialoga armoniosamente con i costumi.

Il miracolo della 34a strada, 1994

Nella versione del 1947 predomina l’eleganza rigorosa degli anni Quaranta, con cappotti sartoriali, tailleur strutturati e cappelli fedora o cloche. Il remake del 1994 ne riprende l’estetica, reinterpretandola con linee più morbide e colori più luminosi. In entrambe le pellicole, ogni dettaglio sartoriale rafforza l’autenticità del racconto e fa sì che l’incanto del Natale prenda forma sullo schermo.

Dove guardarlo: Disney+, Prime Video, Apple TV

Bianco Natale
(White Christmas, 1954)

Due ex militari reinventano la propria carriera come artisti di varietà in un hotel di montagna. Tra numeri musicali e romanticismo, i costumi firmati da Edith Head, una delle più importanti costumiste di sempre, oscillano tra capi di scena scintillanti e outerwear elegante.

Bianco Natale

Completi maschili impeccabili, abiti da sera fluidi e palette cromatiche sofisticate trasformano ogni numero musicale in una coreografia di tessuti e colori. Il risultato è una celebrazione dello stile anni Cinquanta, dove eleganza e leggerezza convivono con naturalezza.

Dove guardarlo: Apple TV, Amazon Video, Google Play

Angeli con la pistola
(Pocketful of Miracles, 1961)

Ambientato nella New York del proibizionismo, Angeli con la pistola mette al centro Dave “lo Sciccoso”, contrabbandiere dal cuore generoso, e il suo tentativo di trasformare Apple Annie da venditrice ambulante a signora rispettabile.

Apple Annie e Dave "Lo Sciccoso" in una scena di Angeli con la pistola

I costumi di Edith Head e Walter Plunkett riflettono con precisione i ruoli sociali e la psiche dei protagonisti, diventando un vero strumento narrativo. I cappotti vissuti ma eleganti di Dave comunicano al tempo stesso autorità, carisma e un’ironia sottile, mentre il guardaroba di Apple Annie accompagna visivamente la sua rinascita: dai tessuti consunti e dalle linee irregolari si passa gradualmente a gonne strutturate e corsetti morbidi che le restituiscono grazia e dignità, dimostrando come lo stile possa guidare lo sguardo e scandire l’evoluzione dei personaggi con discrezione ed efficacia.

Dove guardarlo: Prime Video, Apple TV

Piccole donne
(Little Women, 1949)

Il Natale fa da sfondo alle vicende di Piccole Donne, tratto dall’omonimo romanzo di Louisa May Alcott: un racconto di formazione che intreccia crescita personale, sogni e profondi legami familiari. Il film segue le quattro sorelle March mentre affrontano le sfide dell’adolescenza e il passaggio all’età adulta, confrontandosi con le proprie ambizioni, i primi amori e le dinamiche della società. Ogni esperienza contribuisce a modellare il loro carattere e la consapevolezza di sé, rendendo la narrazione un percorso emotivo tanto intimo quanto universale.

Piccole Donne, 1949

I costumi, sobri ma curati, accompagnano con eleganza questa evoluzione, tramite tessuti naturali, colori delicati e silhouette che si trasformano insieme alle protagoniste. Jo March, ribelle e indipendente, predilige abiti pratici che riflettono il suo spirito libero, mentre le altre sorelle incarnano una femminilità più tradizionale. Colletti, maniche e cappotti raccontano sfumature caratteriali e contribuiscono a creare un’estetica intima, elegante e senza tempo, in perfetta armonia con il ritmo emotivo della storia.

Dove guardarlo: Prime Video, Apple TV

Love Actually
(2003)

Ambientato a Londra durante il periodo natalizio, Love Actually intreccia diverse storie d’amore e rapporti affettivi, mostrando come emozioni e relazioni possano convivere e sovrapporsi in una città viva e festosa.

David e Natalie in una scena di Love Actually

I costumi traducono visivamente le emozioni dei personaggi: il primo ministro David, con cappotti eleganti e maglioni sobri, esprime al tempo stesso autorevolezza e umanità, mentre Natalie, la sua giovane assistente, indossa look luminosi e accessori delicati che esaltano dolcezza e spontaneità. Jamie, autore introverso e romantico, è spesso avvolto in cappotti scuri e morbide sciarpe, che riflettono introspezione e vulnerabilità, mentre Juliet si distingue per abiti leggeri, tonalità luminose e dettagli raffinati che comunicano freschezza, grazia e leggerezza.
L’armonia di stili e colori dona coesione a un racconto corale che dimostra come la moda sappia raccontare emozioni quotidiane e trasmettere la gioia del Natale.

Dove guardarlo: Netflix, Prime Video

Last Christmas
(2019)

Tra le strade illuminate di Londra, Last Christmas racconta la rinascita personale di Kate, giovane donna alle prese con delusioni sentimentali e aspirazioni professionali. Gli outfit hanno un ruolo narrativo esplicito: strati, colori accesi, maglioni statement e accessori eccentrici riflettono le fragilità, l’ironia e il cambiamento interiore della protagonista.

Last Christmas

Il costume da elfo, indossato da Kate per il suo lavoro, diventa simbolo di autoironia e resilienza, mentre outfit più sobri accompagnano momenti di riflessione e introspezione, sottolineando le diverse sfaccettature della sua quotidianità.

Dove guardarlo: Netflix, Prime Video

L’amore non va in vacanza
(The Holiday, 2006)

L'amore non va in vacanza

Due donne, Iris e Amanda, scambiano le loro case per le vacanze natalizie e scoprono nuove possibilità di amore e amicizia. I costumi riflettono i caratteri opposti delle protagoniste: Iris, nella campagna inglese, veste tonalità pastello e abiti comodi che sottolineano dolcezza e sensibilità; Amanda, a Los Angeles, sfoggia look urbani sofisticati e sartoriali che comunicano indipendenza e pragmaticità.
L’amore non va in vacanza è un toccasana per lo spirito, un film dolce, divertente e visivamente irresistibile, perfetto per immergersi nell’atmosfera delle feste.

Dove guardarlo: Prime Video, Netflix

Non ti presento i miei
(Happiest Season, 2020)

Non ti presento i miei è una commedia romantica che si svolge durante le vacanze invernali e segue Abby e Harper alle prese con relazioni, dinamiche familiari e scelte personali. Gli abiti accompagnano il racconto: Abby predilige cardigan, maglioni oversize e mise essenziali dominate dal nero e da tonalità neutre, una palette che comunica protezione, introspezione e il suo sentirsi fuori posto nella casa di Harper.

Abby e Harper in una scena di Non ti presento i miei

Harper, invece, costruisce il proprio stile attorno a outfit curati e performativi, pensati per aderire alle aspettative familiari e sociali. Con il procedere della storia il contrasto tra le due protagoniste si attenua: gli abiti di Harper perdono rigidità e formalismo, mentre Abby resta coerente con la propria identità. Il risultato è un’estetica calda e contemporanea che trasforma il Natale in un’esperienza visivamente coinvolgente e indimenticabile.

Dove guardarlo: Disney+, Prime Video

Il cinema come archivio di stile

Dai cappotti sartoriali di St. Louis alle silhouette moderne di Londra, questi film rivelano come i costumi possano diventare veri e propri protagonisti silenziosi. Ogni capo è in grado di trasmettere personalità, esprimere stati d’animo e comunicare il contesto sociale: un maglione oversize evoca calore e protezione, un abito da sera illumina un momento di gioia, un cappotto strutturato sottolinea determinazione o eleganza.
Il cinema natalizio diventa così un laboratorio di stile, capace di ispirare piccoli gesti quotidiani: un accessorio, un accostamento di colori, una silhouette possono essere reinterpretati nella vita reale. Perché, in fondo, il suo fascino risiede proprio qui: nel rendere il nostro Natale un po’ più magico e indiscutibilmente più elegante.

Nota sullo streaming

La disponibilità dei titoli può variare in base ai diritti di distribuzione. Durante il periodo natalizio è più semplice trovarli inclusi nei cataloghi delle piattaforme, ma rimangono quasi sempre accessibili anche tramite noleggio o acquisto digitale. Per un controllo aggiornato, si consiglia di utilizzare aggregatori come JustWatch o verificare direttamente sui vari siti di streaming.

A cura di Anna Olivo

Una mostra alle Gallerie d’Italia racconta Roma e Milano tra Neoclassicismo e età napoleonica

Dal 28 novembre 2025 al 6 aprile 2026 le Gallerie d’Italia di Milano ospitano “Eterno e visione. Roma e Milano capitali del Neoclassicismo”, un progetto espositivo di grande rilevanza culturale che indaga uno dei momenti più intensi e contraddittori della cultura europea tra la fine del Settecento e i primi decenni dell’Ottocento. Curata da Francesco Leone, Elena Lissoni e Fernando Mazzocca, la mostra attraversa l’età napoleonica mettendo in dialogo due città-cardine dell’immaginario artistico e politico del tempo. Roma e Milano emergono come luoghi complementari di elaborazione del linguaggio neoclassico, dove il confronto con l’antico non si traduce in mera imitazione, ma diventa strumento per ripensare i modelli estetici, politici e culturali del tempo.

Il Cavallo Colossale di Canova: manifesto del sogno neoclassico

Il percorso espositivo si apre con un’opera dal forte impatto visivo e simbolico: il Cavallo Colossale di Antonio Canova, monumentale scultura in gesso dipinto a finto bronzo dallo stesso scultore. Pensato inizialmente come parte di un monumento equestre dedicato a Napoleone, il cavallo fu successivamente riutilizzato per progetti celebrativi destinati ai Borbone, Carlo III e Ferdinando I. La sua storia, segnata da smembramenti e oblio, sezionato negli anni Sessanta del Novecento e a lungo dimenticato nei depositi del Museo Civico di Bassano del Grappa, riflette emblematicamente le sorti dell’arte neoclassica stessa. Oggi il Cavallo Colossale riemerge nella sua integrità grazie a un eccezionale intervento di restauro promosso da Intesa Sanpaolo nell’ambito del progetto Restituzioni. Un video accompagna il visitatore, documentando il complesso lavoro tecnico e scientifico che ha reso possibile il recupero di questo autentico manifesto dell’ambizione monumentale neoclassica.

Attorno al capolavoro canoviano si sviluppa una riflessione sulla tradizione del monumento equestre, uno dei generi più carichi di significati politici e simbolici della storia dell’arte. Canova guardava ai modelli dell’antica Roma e alla grande tradizione rinascimentale italiana, da Donatello a Leonardo, fino a Bernini. Non a caso, infatti, nello stesso spazio è esposta la celebre Testa Carafa di Donatello, testa di cavallo in bronzo proveniente dal Museo Archeologico Nazionale di Napoli, che stabilisce un dialogo diretto tra Rinascimento e Neoclassicismo, tra memoria storica e reinvenzione moderna.

Roma e Milano nell’età napoleonica

Il cuore della mostra è il confronto tra Roma e Milano in uno dei passaggi più decisivi della storia italiana ed europea. Tra il 1796 e il 1814, con l’arrivo di Napoleone e la nascita della Repubblica Cisalpina, della Repubblica Italiana e infine del Regno d’Italia, la Penisola viene attraversata da profonde trasformazioni politiche, sociali e culturali.
In questo scenario, Roma riafferma il suo ruolo di capitale delle arti, meta imprescindibile per gli allievi delle accademie europee e luogo privilegiato del confronto con l’antico. Milano, al contrario, si afferma come capitale politica e amministrativa, dove il classicismo si traduce in un linguaggio civile, legato alle nuove istituzioni e alla costruzione di una modernità urbana. Due modelli differenti ma strettamente interconnessi, uniti dall’esigenza di fondare il presente su un’eredità condivisa.

Questa dialettica si riflette con forza nelle immagini urbane delle due città. Le celebri Vedute di Roma di Giovanni Battista Piranesi fissano per l’Europa un’immagine potente della città eterna, sospesa tra rovina, grandezza e tensione al sublime. A esse fanno eco le Vedute di Milano di Domenico Aspari, incisore e docente all’Accademia di Brera, che restituiscono il volto di una città in profondo mutamento. Ridisegnata dagli interventi di Giuseppe Piermarini, dal Teatro alla Scala al Palazzo Reale, Milano appare come un organismo urbano in trasformazione, caratterizzato da nuovi equilibri architettonici e spaziali. Capitale prima della Repubblica Cisalpina e poi del Regno d’Italia, conosce una crescita rapida, supera Roma per dimensioni e aspirazioni e si misura con le principali capitali europee, affermandosi come centro propulsore della vita artistica, urbana e civile del Paese.

Dal disegno al progetto nazionale

Nel dialogo tra Roma e Milano il disegno assume un ruolo centrale, non solo come pratica formativa, ma come vero e proprio luogo della sperimentazione intellettuale. Artisti come Luigi Sabatelli, Bartolomeo Pinelli, Tommaso Minardi, Pelagio Palagi e Francesco Hayez si muovono tra le due città confrontandosi con l'eredità di Michelangelo, Dante e della tragedia antica. A Roma confluiscono gli allievi delle accademie del Regno Italico, chiamati a perfezionarsi all'Accademia d’Italia voluta da Canova; a Milano, invece, il classicismo si apre a nuovi linguaggi con una sensibilità più moderna e narrativa.

In questo contesto emerge la figura di Giuseppe Bossi, grande protagonista del Neoclassicismo italiano. Pittore, teorico, collezionista e fondatore della Pinacoteca di Brera, Bossi incarna l’anima più riflessiva e filosofica del movimento. Amico e collaboratore di Canova, esplora il sublime attraverso soggetti tratti dalla storia e dalla tragedia antica, dando forma ad allegorie civili e monumentali cartoni preparatori, molti dei quali resteranno incompiuti. Opere come L’ultima scena dell’Edipo Re o la Sepoltura delle ceneri di Temistocle testimoniano una concezione dell’arte come strumento educativo e morale, capace di immaginare un’Italia moderna profondamente radicata nel suo passato classico.

L’immagine simbolica dell’Italia tra mito e politica

Uno dei nuclei più significativi della mostra è la riflessione sulla costruzione di un’immagine simbolica dell’Italia, intesa come progetto politico e ideale prima ancora che come realtà nazionale. Emblematico è il monumentale dipinto di Giuseppe Bossi, La Riconoscenza della Repubblica Italiana a Napoleone, conservato nel Salone Napoleonico dell’Accademia di Brera. Oggi non più trasportabile per le sue imponenti dimensioni e la sua fragilità, l’opera è evocata nel percorso espositivo attraverso una riproduzione fotografica, che ne restituisce il rilevante valore storico e simbolico.

L’opera celebra Napoleone come sovrano ieratico accanto alla personificazione allegorica della Repubblica Italiana, raffigurata con il capo cinto di torri e l’ulivo della pace. Presentata con grande successo a Brera nel 1802, l’immagine divenne un potente manifesto delle ambizioni politiche e culturali dell’Italia napoleonica, anticipando l’iconografia risorgimentale. Quest'opera dialoga idealmente con l’Italia piangente del monumento funerario di Vittorio Alfieri scolpito da Canova in Santa Croce, rappresentato attraverso gli studi preparatori dell’artista.

Napoleone Re d’Italia

Molto interessante è lo spazio dedicato all’incoronazione di Napoleone a Re d’Italia, celebrata il 26 maggio 1805 nel Duomo di Milano. In mostra sono esposti gli Onori d’Italia: la corona, lo scettro, la mano di giustizia e il magnifico mantello verde, restaurati da Intesa Sanpaolo e restituiti al loro splendore cerimoniale.
I ritratti ufficiali di Andrea Appiani e François Gérard fissano l’immagine del sovrano e dei suoi familiari, unendo celebrazione del potere, simbolismo politico e una sottile introspezione psicologica, restituendo la complessità di una figura che seppe usare l’arte come strumento di legittimazione e propaganda.

Il Foro Bonaparte: l’utopia di una nuova Roma

Il percorso si chiude idealmente con una grande utopia urbana: il progetto del Foro Bonaparte, concepito nel 1801 da Giovanni Antonio Antolini. Questa immensa piazza circolare, mai realizzata, si ispirava ai modelli dell’antichità e avrebbe dovuto trasformare Milano in una nuova Roma moderna, dotata di edifici pubblici, botteghe, terme, un teatro e un Pantheon laico.

Le straordinarie tavole conservate alla Bibliothèque nationale de France, esposte qui per la prima volta, raccontano un sogno di ordine, razionalità e memoria civica, simbolo delle ambizioni di una città che immaginava se stessa come capitale di una modernità fondata sul mito dell’antico.

Oltre la mostra: le Gallerie d’Italia

La visita a Eterno e visione è anche l’occasione per riscoprire le Gallerie d’Italia nella loro interezza: salite le monumentali scale marmoree, raggiungete il piano nobile e lasciatevi sorprendere dalle sale affrescate, dai fregi e dalle decorazioni che evocano le fastose dimore storiche, fino alla collezione permanente, dove arte antica e moderna dialogano in modo continuo.
La mostra temporanea si inserisce con naturale coerenza nel percorso delle Gallerie, proponendo un itinerario che non si limita a raccontare il Neoclassicismo, ma invita a riflettere su come, nei momenti di svolta storica, la memoria possa farsi progetto e il sogno dell’antico trasformarsi in idea di modernità.

Informazioni utili

Mostra: Eterno e visione. Roma e Milano capitali del Neoclassicismo
Sede: Gallerie d’Italia – Milano (Museo di Intesa Sanpaolo)
Date: 28 novembre 2025 – 6 aprile 2026
Info e prenotazioni: www.gallerieditalia.com

Foto allestimento a cura di Maria Parmigiani

Articolo a cura di Anna Olivo

Aps PartyVolontario, con la collaborazione di Biblioteca OgniBene e la partecipazione dell’Associazione Gli amici dello zio- Aps prosegue, con questa edizione a Lecce, la tradizione del Cinema a sorpresa; la rassegna- dalla forte vocazione solidale- di proiezioni su grande schermo di film e cortometraggi a sorpresa, il cui titolo viene svelato solo prima del buio in sala.

Tra riuso, creatività e stile: Milano scopre un modo diverso di vivere la moda

Il vintage come linguaggio e cultura

A Milano il vintage non è più un vezzo nostalgico né un rifugio per collezionisti eccentrici, è un linguaggio culturale, un’economia emergente e, soprattutto, un nuovo modo di definire sé stessi. Basta camminare per le vie di Isola, Porta Venezia, Navigli o Lambrate per accorgersi che la città sta vivendo una vera mutazione stilistica: negozi di seconda mano in aumento, mercatini sempre più affollati e la caccia al pezzo unico trasformata in rituale urbano.
Il successo di questo fenomeno nasce da una combinazione di fattori in cui la sostenibilità gioca un ruolo centrale. Chi sceglie il vintage oggi non lo fa più solo per estetica, ma anche per responsabilità: ridurre gli sprechi, dare continuità a ciò che già esiste e opporsi al ritmo frenetico del fast fashion, senza rinunciare a capi originali e di qualità. A questo si aggiunge un'altra motivazione: i capi vintage, spesso realizzati con materiali e tecniche di lavorazione elevate, offrono una durata e una qualità intrinseca che la moda contemporanea difficilmente raggiunge. In una Milano sempre più attenta all’ambiente, il vintage diventa così un atto consapevole di stile, capace di coniugare etica, estetica, bellezza e durabilità.

Vintage come esperienza e creatività

Il vintage è anche un’esperienza sociale, un modo di stare insieme e condividere passioni comuni. Mercatini come l’East Market hanno trasformato lo shopping in un vero e proprio momento culturale: non ci si limita a comprare, si esplora, si ascolta, si parla, si scopre. La musica accompagna il flusso dei visitatori, mentre le bancarelle indipendenti espongono oggetti unici, pezzi di design e abiti ricercati, immersi nei profumi del cibo di strada e nella creatività dei workshop dedicati al riciclo e alla customizzazione. L’atmosfera è quasi da festival, un continuo incrocio di creativi, studenti, curiosi e appassionati che rendono questi spazi un punto di incontro e ispirazione.

Upcycling creativo, foto di deascuola.it

Accanto a questa dimensione collettiva, Milano vive un’ondata creativa legata al DIY (Do It Yourself). Studenti di moda, designer emergenti e creativi trasformano capi economici in nuove creazioni: un pantalone anni ’90 può diventare una minigonna tagliata a vivo, una giacca datata si trasforma in un gilet unico e moderno, una camicia sformata diventa materiale per ricami o tinture sperimentali. Il vintage si fa laboratorio diffuso, dove il low budget incontra l’alto valore estetico, trasformando l’upcycling in un terreno fertile per sperimentare, reinventare e dare nuova vita ai capi.

L’archivio e il vintage d’autore

Parallelamente cresce l’interesse per i capi d’archivio, veri e propri tesori che raccontano la storia della moda. Nei negozi più selettivi e nelle corsie meno ovvie dei mercati emergono pezzi firmati Gucci, Dior, Prada, Ferragamo o YSL, ambiti non solo dagli appassionati di stile rétro, ma anche da stylist, fotografi e professionisti del settore alla ricerca di ispirazioni autentiche. Cercare un foulard Hermès degli anni ’80, una giacca Moschino disegnata da Franco o un tailleur Armani delle prime linee diventa un vero e proprio esercizio di archeologia fashion: un viaggio attraverso tessuti, tagli e dettagli che hanno segnato epoche diverse. Questi capi, oltre a essere oggetti da collezione, offrono spunti creativi unici e la possibilità di reinterpretare codici estetici ormai classici in chiave contemporanea, trasformando il passato in materiale vivo per nuovi progetti.

La geografia del vintage a Milano

Milano offre una varietà di luoghi dove il vintage prende vita, ciascuno con la propria anima. L’East Market resta il fulcro della scena: un labirinto di moda, design, vinili e atmosfere elettriche. Bivio propone una visione urbana e smart del pre-loved, mentre Ambroeus combina gusto milanese e attenzione all’upcycling. Vintage Delirium si riconferma il tempio del capo d’autore, completato da realtà come Urzì e Shop the Story. Insieme, questi spazi creano una vera geografia del vintage, dove ognuno può trovare un pezzo unico o un’ispirazione creativa.

Fascia Low-Cost / “Thrift” – DIY-Friendly
Ideale per chi cerca capi economici, spesso da personalizzare o trasformare

East Market

• Humana Vintage – Vari store in città (Via Cappellari 3, Viale Monza 19, Via De Amicis 43)
  Ampia selezione di abiti e accessori, aggiornati mensilmente, prezzi bassi e parte del ricavato in beneficenza
• Indaco Second Hand – Via San Gregorio 11, Porta Venezia
  Jeans, camicie e capi casual a prezzi accessibili, perfetto per outfit quotidiani low-cost
• East Market – Via Mecenate 84
  Mercato mensile che unisce artigiani, venditori vintage e food truck, ideale per pezzi unici e handmade

Fascia Media / Designer “Contemporaneo-Vintage”
Per chi cerca capi vintage di qualità, mix tra moda di stagione e pezzi originali dal fascino retrò

Da Orient Concept Store

• Bivio Milano – Colonne di San Lorenzo e Porta Venezia
  Boutique di rivendita con selezione vivace e di stagione, possibilità di vendere il proprio usato
• Live in Vintage – Via Genova Thaon di Revel 4, Isola
  Capi anni ’70, ’80 e ’90, kimono giapponesi, pezzi stravaganti e accessori eleganti
• Ambroeus – Via Pastrengo 15, Isola
  Selezione di qualità di capi classici, attenzione all’upcycling e pezzi unici firmati
• Urzí – Via Ciovasso 6, Brera
  Vintage anni ’60-’70, stile sofisticato e classici senza tempo, borse e foulard in pelle
• Da Orient – Viale Montello 8, Chinatown
  Vintage anni ’70, camicie e giacche in pelle, atmosfera da concept store nordico con bar interno

Fascia Alta / Archivio / Pezzi da collezione
Perfetta per chi cerca pezzi da collezione, abiti couture o designer vintage di prestigio

Cavalli e Nastri

• Cavalli e Nastri – Via Gian Giacomo Mora 12 e 3, Centro
  Designer vintage dal ’50 a oggi, tubini d’epoca, smoking e accessori da collezione
• Vintage Delirium – Via Giuseppe Sacchi 3, Brera
  Archivio ricco di abiti couture e tessuti d’epoca, borse Chanel e Hermès, cravatte Hermès
• Shop The Story - Via Cesare Correnti 11
  Capi dalle sfilate anni ’90 in poi, designer come Comme des Garçons, Margiela, Prada e Yamamoto

Mercati interessanti

Mercatone dell’antiquariato sul Naviglio Grande, foto di Cool in Milan

• Mercato di Via Crema – Venerdì 07:30 – 14:00
• Mercato di Via Fauchè – Martedì 07:30 – 18:30 / Sabato 07:30 – 18:00
• Mercato di Viale Papiniano – Martedì 07:30 – 14:00 / Sabato 07:30 – 17:00
• Marameo Market - Sabato 11.00 - 19.00, Tempio del Futuro Perduto
• Mercatone dell’antiquariato sul Naviglio Grande – Ultima domenica del mese, Alzaia Naviglio Grande

Milano reinventa il passato

Questa rinascita non è superficiale: sta cambiando la cultura locale, promuovendo un consumo più lento e consapevole, stimolando la creatività e rendendo la moda accessibile senza sacrificare qualità o stile. Il vintage offre nuove opportunità a piccoli imprenditori, artigiani e creativi, dimostrando che il “nuovo” non coincide più con ciò che è appena uscito sul mercato, ma con ciò che viene reinventato con uno sguardo contemporaneo.
Il vintage offre la possibilità di distinguersi dalla massa, intorpidita dall’estetica uniforme del fast fashion; investire tempo nella ricerca di capi unici diventa così un modo per coltivare un’identità personale e originale. Milano non si limita a comprare vintage: lo usa, lo reinventa, lo interpreta. È una città che non ha paura di mescolare epoche, identità e stili, trasformando il passato in una risorsa viva. Il vintage qui non è memoria: è movimento, energia creativa e futuro.

A cura di Anna Olivo

E’ disponibile dal 2 dicembre su tutte le piattaforme digitali il singolo Resistenza, apripista del nuovo album in studio di Vincenzo Greco/Evocante, di prossima uscita per Dialettica Label/Tunecore/La Stanza Nascosta Records.