Il secondo appuntamento della rassegna canora “Because the Night- Il palco delle cantautrici”, ormai giunta all’ottava edizione, è “Jazzy Mood: contaminazioni d’autrice”, inserito nel calendario della Milano Music Week 2026.
Nerospinto ha incontrato la cantante, pianista e autrice GIULA, nome d’arte di Giulia Lazzerini, una delle protagoniste dell’evento di domenica 22 novembre 2026, ore 19.00, al mare culturale urbano (Cascina Torrette Via Quinto Cenni 11, Milano).
La sua musica convoglia sensibilità autoriale, suggestioni jazzy e guizzo pop contemporaneo in un racconto intimo e potente.
Dopo gli studi a Milano e al Berklee College of Music di Boston, si è esibita su palchi come il Blue Note Milano e il Castello Sforzesco. Sta lavorando in studio a un nuovo EP, anticipato da una personale rilettura de Il cielo in una stanza di Gino Paoli (con la produzione e gli arrangiamenti di Andro dei Negramaro), e dai singoli Iride e Niente di serio, quest'ultimo in uscita il 13/11/2026.
Che significato ha per lei-oggi- prendere parte alla rassegna Because the Night, Il palco delle cantautrici, che negli anni ha visto alcune tra le “voci” (in senso lato) contemporanee più apprezzate dagli addetti ai lavori?
Per me è molto importante fare parte della rassegna e, soprattutto, essere circondata da colleghe donne. In un ambiente dove ho prevalentemente a che fare con persone di sesso maschile, vedere una rassegna interamente dedicata alle donne è una cosa che mi fa un po’ impressione da un lato, nel senso che vorrei non ce ne fosse bisogno, dall’altra mi riempie di gioia.
Mi sento onorata di farne parte e credo che occasioni come questa siano fondamentali per dare risalto al lavoro che tutti i giorni tantissime professioniste portano avanti nel mondo della musica, il cui valore spesso non viene riconosciuto abbastanza. Siamo tante, anche se a volte purtroppo ce lo si dimentica.
Perchè il moniker GIULA?
Non ha una storia particolarmente avvincente, devo ammettere, ahahah.
Viene dalla mia vicina di casa che, quando ero piccola, ammiravo tantissimo. Era la classica ragazza più grande di me, bella, popolare, sempre vestita nel modo giusto, con tantissimi amici. Sembrava la protagonista di una sitcom anni 2000. Io non le avevo ovviamente mai parlato: ero terrorizzata da lei; sapevo solo che aveva il mio stesso nome, Giulia.
Una volta, mentre usciva di casa con dei compagni, l’ho sentita chiamare “Giula” e ho immediatamente pensato “eh no, quel soprannome è mio!” Non so perché, ma ho sentito un fortissimo senso di appartenenza, come se mi avessero sempre chiamato così (in effetti, pensavo, unisce le prime lettere del mio nome e quelle del mio cognome! O magari volevo solo qualcos’altro in comune con lei ahahah). Quindi possiamo dire che gliel’ho ufficialmente rubato, peraltro a sua insaputa!!
Vuole raccontarci la sua collaborazione con Franco Mussida, storico chitarrista e arrangiatore della Pfm?
È stata una bellissima collaborazione, nata “tra i banchi di scuola”: ho studiato al CPM, la scuola di musica fondata da Franco, ed è proprio durante il mio percorso di studi che ho avuto modo di conoscerlo. In seguito, ho avuto la fortuna di instaurare con lui anche un bel rapporto professionale.
Ricorderò sempre le tante ore trascorse insieme in sala prove a costruire i suoi brani. Di Franco mi ha colpito molto il modo di intendere la musica: qualcosa che si crea insieme, che prende forma anche attraverso il suono e la sperimentazione, non soltanto sulla carta. Durante le prove ascoltava e analizzava continuamente quello che emergeva, cercando di capire se il risultato rispecchiasse davvero l’idea sonora che aveva in mente. Se qualcosa non lo convinceva, ci si fermava, si ragionava, si cercavano approcci diversi. Era una continua ricerca, che proseguiva finché non si arrivava esattamente dove voleva.
È stata un’esperienza che mi ha insegnato tantissimo e che mi ha fatto crescere molto. Mi ha trasmesso un’idea di come la musica, forse, dovrebbe essere vissuta: con calma, con curiosità, con tanta ricerca e sensibilità, senza avere fretta di arrivare a un risultato. È un approccio che mi è rimasto dentro e che cerco, nel mio piccolo, di portare avanti anche nel mio percorso.
Nel 2026 ha pubblicato una rilettura de Il cielo in una stanza, con gli arrangiamenti e la produzione di Andro dei Negramaro. Avevate presente, nella realizzazione di questa cover dal sapore indie-pop, la terza versione del brano, quella realizzata da Mina con l’accompagnamento al pianodi Renato Sellani?
Sinceramente no. Non ho preso come riferimento nessuna delle versioni di Mina, nonostante io le adori e le rispetti profondamente. Siamo partiti dalla versione di Gino Paoli, perché è venuto a entrambi spontaneo confrontarci innanzitutto con l’interpretazione di chi quella canzone l’aveva pensata e scritta.
Allo stesso tempo però abbiamo scelto di allontanarci da quella versione. Eravamo entrambi convinti che l’originale fosse già lì, perfetto in ogni suo dettaglio; non aveva sicuramente bisogno di essere replicato. Abbiamo quindi cercato di recuperare alcuni degli aspetti che amavamo di quell’interpretazione, per poi rielaborarli e portarli in una direzione completamente diversa, adattandoli alla mia sensibilità e al mio modo di sentire la canzone. L’obiettivo non era riproporre qualcosa che esisteva già, ma trovare un “nuovo abito”, una forma nuova che potesse essere autentica e sincera cantata da me.
Il singolo Iride suona come un monito ad alimentare lo stupore. In un mondo in cui tutto sembra essere già stato visto, catalogato e digitalizzato come si fa a non cedere al disincanto? Dove possiamo trovare ancora, a suo avviso, la meraviglia?
Ovunque. Sono convinta che la meraviglia risieda nel modo in cui scegliamo di guardare il mondo e la realtà che ci circonda. In “Iride” parlo proprio della capacità di continuare a stupirsi crescendo, anche quando si diventa adulti.
Credo che a volte la vera sfida sia riuscire a meravigliarsi delle cose che conosciamo da sempre, di quelle che ci sono familiari e che abbiamo accanto da tanto tempo. Non è necessario andare lontano, alla ricerca di qualcosa di straordinario, anche se, certo, è più facile. Spesso basta guardare con occhi nuovi ciò che abbiamo intorno ogni giorno, ma ciò significa mettersi continuamente in gioco, non smettere mai di interrogare il proprio sguardo sul mondo.
Quali sono i suoi riferimenti musicali?
Essendo cresciuta in una casa in cui si ascoltava praticamente solo musica straniera, mi sento quasi costretta a citare esempi internazionali, anche se crescendo mi sono avvicinata molto anche alla musica italiana.
Partirei dall’artista di cui abbiamo consumato i dischi, la colonna sonora della mia infanzia, ovvero Bruce Springsteen. Da lui credo di aver imparato soprattutto l’importanza di raccontare storie attraverso la musica. Ammiro moltissimo la sua capacità di creare sempre un pochino di spazio per la speranza, in ogni tema che tratta, in ogni passaggio musicale, ma anche la sua capacità di creare un senso di appartenenza e di unire le persone attraverso le sue canzoni. Dà il meglio di sé dal vivo, proprio perché riesce a trasformare un concerto in un’esperienza collettiva, in cui le persone si sentono parte di qualcosa.
Poi c’è la mia amata Billie Holiday, la voce a cui probabilmente sono più affezionata. È una di quelle vocalità che riescono a farmi piangere appena le sento. Aveva la capacità di riversare nella musica tutto ciò che aveva dentro, senza nascondere nulla. Le sue interpretazioni sono preziose, indimenticabili, riusciva a dare un significato completamente nuovo e profondo a qualsiasi testo, anche al più semplice o apparentemente banale. Il suo timbro è qualcosa che ti entra fin dentro le ossa. Da lei ho imparato, più che da chiunque altro, cosa significhi interpretare e cosa voglia dire davvero cantare.
Infine vorrei citare AURORA, un’artista norvegese, più recente, che amo profondamente. Anche se canta in inglese, adoro come nelle sue composizioni siano fortemente presenti le sue radici e la cultura da cui proviene. Mi riconosco nel senso di libertà che attraversa la sua musica e i suoi testi e mi affascinano moltissimo le sue scelte musicali: le sonorità sempre particolari, le armonie mai scontate e soprattutto le melodie, che trovo bellissime, evocative e a volte quasi ancestrali. È un’artista che mi ricorda continuamente quanto sia bello poter essere liberi di sperimentare e di non assomigliare necessariamente a nessun altro.
L’esperienza artistica che l’ha maggiormente segnata?
Penso che sia stata l’esperienza di cantare sul sagrato di Piazza San Pietro, proprio di fronte alla Basilica, in Vaticano. Ho cantato un mio inedito durante un evento trasmesso in mondovisione, ma, paradossalmente, questo è passato in secondo piano. Mi sono sentita minuscola in un luogo così imponente, davanti a un capolavoro architettonico e artistico di quelle dimensioni. Invece la mia voce non era minuscola: incredibilmente, viaggiava leggera e riuscivo a sentirla riempire la piazza. Credo sia stata una delle prime volte in cui mi sono resa effettivamente conto di quanto possa essere potente qualcosa che, di fatto, nasce da un gesto così intimo e un bisogno così personale come cantare.
Il tratto principale del suo carattere?
Sogno perennemente a occhi aperti.
Il libro che ha sul comodino?
Al momento ne ho due, anche se di solito mi dedico a una lettura alla volta perché mi piace immergermi completamente nel mondo descritto. Uno è “Dubliners” di James Joyce, che sto leggendo con calma, un capitolo alla volta, l’altro è “La Sonnambula” della meravigliosa Bianca Pitzorno.
Nerospinto si occupa con passione anche di food. Se la sua musica fosse un piatto, quale sarebbe?
Direi una semplice barretta di cioccolato al latte con nocciole intere, rigorosamente fredda di frigo!
Photo Credits: Manuel Eletto
